Hernandez Anthony

Anthony Hernandez (né en 1947) est un photographe américain qui partage son temps entre Los Angeles, sa ville natale, et l’Idaho.

Ses premières images sont des pièces et des machines laissées dans un terrain vide près d’un atelier de réparation automobile près de chez lui, préfigurant le développement de sujets communs de son travail : la décomposition urbaine et les détritus abandonnés.
Hernandez a commencé à se consacrer à la photographie après avoir servi dans l’armée des États-Unis de 1967 à 1969 (il a servi comme infirmier pendant la guerre du Vietnam en 1968).

À l’été 1969, il a pris un atelier avec Lee Friedlander et, en 1970, il a construit sa propre chambre noire dans un appartement qu’il a loué dans la région de Westlake à Los Angeles. La même année, le travail de Hernandez a été inclus dans sa première exposition et publication de musée, California Photographers, 1970, un aperçu de nouvelles photographies de l’État.
L’exposition et la publication de 1971, The Crowded Vacancy, sont considérées comme des précurseurs dans le lancement de la carrière du photographe.
En 1970, Hernandez présente un portfolio d’images à John Szarkowski, conservateur de photographies au Musée d’art moderne, qui achète deux photographies pour le musée et le présente aux photographes Diane Arbus, Duane Michals et Garry Winogrand.

À partir de 1969, son travail est défini par des photos argentiques en noir et blanc de photographies de rue (principalement des portraits) à Los Angeles et Hollywood qui a établi un style distinctif caractérisé par des sujets qui semblent aliénés et “submergé par des forces invisibles.”

À la fin des années 1970, Hernandez a commencé à utiliser un appareil Deardorff 5×7, ce qui a changé le caractère de son travail.
Entre 1978 et 1983, il a continué à faire des images d’éléments prosaïques de la vie de rue et des espaces publics de Los Angeles, mais l’orientation plus large de l’objectif a fait en sorte que les gens prennent une place moins importante dans ses photos tout en augmentant la présence de l’environnement bâti.
Dans leur ensemble, ces séries offrent de rares exemples sous quelque forme d’art que ce soit qui dépeignent la vie quotidienne des pauvres et de la classe ouvrière de Los Angeles.

En 1984-1985, en réponse à une suggestion d’un directeur artistique du magazine Los Angeles, il s’est tourné vers le travail en couleur avec une série de portraits de rue en gros plan de consommateurs pris sur Rodeo Drive.
Il a choisi d’utiliser un film transparent et de tirer en Cibachrome pour accentuer la couleur.
Les images explorent un mélange complexe de consommation, de classe, d’autoprésentation, de fantaisie, de sexualité et de représentation photographique, et l’artiste les considère comme ses premières photographies couleur à succès.
Hernandez a cessé de photographier les gens après ce projet, et cela a marqué le début de son utilisation exclusive de la photographie en couleur.

En 1986, en tant qu’artiste en résidence à l’Université du Nevada à Las Vegas, Hernandez a photographié un éventail d’obus usés et de débris explosés laissés à un champ de tir, en l’absence des tireurs. Il a poursuivi ce projet après la résidence et a ajouté des champs de tir situés dans la forêt nationale d’Angeles.
Cette série, “Shooting Sites”, a marqué un changement dans sa vision artistique vers la capture de scènes suggérant l’abandon et la désolation en l’absence de joueurs humains pourtant chargés d’intrigues sur leur implication.

Sa série « Landscapes for the Homeless », qu’il a produite de 1988 à 1991, a capturé des images de sites de sans-abri situés à proximité et sous les autoroutes de Los Angeles, se concentrant exclusivement sur les abris de fortune des habitants et les déchets jetés à proximité. Cette série de photographies était unique en ce qu’elle mettait l’accent sur les témoignages de sans-abri, et Hernandez a eu du mal à les faire publier et à les exposer aux États-Unis.

Le photographe a dit que les deux “Sites de tir” et “Paysages pour les sans-abri” lui on permit de se connecter à son expérience en tant que médecin dans la guerre du Vietnam.

Il a utilisé un écran de métal personnalisé sur un trépied dans une série de photographies prises de Camas Prairie, explorant la capacité de l’écran à donner une image impressionniste du paysage.

Bien que ses récentes “Images projetées”, en raison de la grille et de l’abstraction, aient une “apparence numérique”, elles ont toutes été photographiées sur film et non manipulées numériquement. -extrait traduit de Wikipedia