Penn Irving

Irving Penn était l’un des grands photographes du vingtième siècle, connu pour ses images saisissantes et sa gravure magistrale. Bien qu’il ait été célébré comme l’un des meilleurs photographes du magazine Vogue pendant plus de soixante ans, Irving Penn était un homme intensément privé qui évitait les feux de la rampe et poursuivait son travail avec un dévouement silencieux et implacable. À une époque où la photographie était avant tout comprise comme un moyen de communication, il l’abordait avec un œil d’artiste et développait le potentiel créatif du médium, tant dans son travail professionnel que personnel.

Né en 1917 à Plainfield, New Jersey, de parents immigrés, Irving Penn a fréquenté la Philadelphia Museum School of Industrial Arts de 1934 à 38 et a étudié avec Alexey Brodovitch dans son Design Laboratory. Émigré russe qui a travaillé à Paris dans les années 1920, Alexey Brodovitch a enseigné l’application des principes de l’art moderne et du design à travers l’exposition, à des magazines, des expositions, l’architecture et la photographie.

Après un certain temps à New York en tant qu’assistant de Brodovitch au Harper’s Bazaar et divers emplois de directeur artistique, Irving Penn est allé au Mexique pour peindre en 1941, voyageant à travers le sud des États-Unis et prenant des photos en cours de route. Il a finalement été déçu par ses peintures et les a détruites avant de retourner à New York à la fin de l’année suivante. En 1943, le nouveau directeur artistique de Vogue, Alexander Liberman, engage Irving Penn comme son associé pour préparer les mises en page et suggérer des idées de couvertures aux photographes du magazine. Alexander Liberman, est un autre émigré russe qui avait travaillé à Paris, qui en regardant les planches contact d’Irving Penn lors de ses récents voyages, reconnut « un esprit et un œil qui savait ce qu’il voulait voir ». Il a encouragé Irving Penn à commencer à prendre les photographies qu’il envisageait, lançant une longue et fructueuse carrière ainsi qu’une collaboration qui a transformé la photographie moderne.

Après la Seconde Guerre mondiale, alors qu’Irving Penn s’est rapidement fait une réputation pour son style saisissant dans les natures mortes et les portraits, Liberman l’a envoyé dans le monde entier pour des missions de portrait et de mode. Ce furent des expériences formatrices, qui confirmèrent la préférence d’Irving Penn pour la photographie dans l’environnement contrôlé d’un studio, où il pouvait éliminer tout ce qui n’était pas essentiel à ses compositions et affiner ses sujets. Indépendamment de ces missions, Irving Penn a entrepris un projet personnel majeur, photographiant des nus charnus de près dans le studio et expérimentant leur impression pour « percer la finesse de l’image ». Il s’agissait d’une nouvelle approche de la photographie issue d’une réflexion approfondie sur des modèles historiques de l’art antérieurs, mais les images ont été jugées trop provocantes et n’ont pas été montrées pendant des décennies.

En 1950, Penn est envoyé à Paris pour photographier les collections Haute Couture pour Vogue. Il a travaillé dans un studio à la lumière du jour avec un vieux rideau de théâtre en toile de fond, et a été honoré d’un modèle extraordinaire nommé Lisa Fonssagrives, qu’il a rencontrée pour la première fois en 1947. Née en Suède et formée comme danseuse, elle était l’une des plus recherchées. parmi les mannequins de l’époque, avec une compréhension sophistiquée de la forme et de la posture. Irving Penn a rappelé plus tard: “Quand Lisa est entrée, je l’ai vue et mon cœur battait vite et il n’y avait jamais aucun doute que c’était ça.” Ils se sont mariés à Londres en septembre 1950. Pendant ce temps, Irving Penn a également travaillé sur un projet inspiré d’une tradition d’estampes anciennes, photographiant les “Petits Métiers” – bouchers, boulangers, ouvriers et excentriques qui appartenaient à un monde en voie de disparition.

Les voyages d’irving Penn pour Vogue se sont amplifiés entre 1964 et 1971, l’emmenant au Japon, en Crète, en Espagne, au Dahomey, au Népal, au Cameroun, en Nouvelle-Guinée et au Maroc. Lors de ces voyages, Irving Penn était de plus en plus libre de se concentrer sur ce qui l’intéressait vraiment : faire des portraits de personnes à la lumière naturelle. Lors des premiers voyages, il a adapté des espaces existants comme un garage ou une grange à ses besoins, et a noté le rôle crucial d’un environnement neutre pour favoriser l’échange respectueux qui l’intéressait. Cela l’a finalement amené à construire un studio sous tente qui pourrait être démonté et transporté d’un endroit à l’autre. Irving Penn a estimé que « dans ces limbes [de la tente] il y avait pour nous à la fois la possibilité d’un contact qui a été une révélation pour moi et souvent, je pouvais le dire, une expérience émouvante pour les sujets eux-mêmes, qui, sans mots – par leur seule position et leur concentration – ont pu dire beaucoup de choses sur le gouffre entre nos différents mondes.”

Le travail d’Irving Penn avait initialement un rendu idéal sur les pages de Vogue, où il était finement reproduit et largement diffusé. Cependant, au début des années 1950, les rédacteurs en chef ont commencé à penser que les photographies d’Irving Penn étaient trop sévères pour le magazine, qu’elles “[brûlaient] sur la page”. En conséquence, ses missions ont été réduites et il s’est tourné vers la publicité. Irving Penn a salué les défis que ce nouveau domaine offrait, en particulier dans les domaines de la photographie de nature morte, et a expérimenté les lumières stroboscopiques pour produire des images dynamiques qui ont révolutionné l’utilisation de la photographie dans la publicité.

Au début des années 1960, les budgets des magazines étaient tendus et la qualité des reproductions offset diminuait. Bien qu’Irving Penn ait à nouveau beaucoup photographié pour le magazine, il était de plus en plus déçu par la façon dont ses photographies apparaissaient sur les pages, déclarant qu’il évitait même de les regarder parce qu'”elles faisaient trop mal”. Sa solution à cette situation a été de lancer discrètement un renouveau des techniques d’impression antérieures, révolutionnaires à une époque où les tirages photographiques n’étaient pas considérés comme des objets artistiques. En commençant par des recherches et des expérimentations approfondies, il a étudié des méthodes du XIXe siècle qui pourraient offrir un meilleur contrôle sur les variations et les tonalités subtiles qu’il recherchait dans une estampe. Il a poursuivi ses recherches jusqu’à ce qu’il mette au point un procédé complexe d’impression sur métaux platine et palladium, agrandissant les négatifs pour l’impression par contact sur du papier d’artiste sensibilisé à la main, qui était collé à une feuille d’aluminium afin qu’il puisse résister à de multiples revêtements et impressions.

Au début des années 1970, Irving Penn a fermé son studio de Manhattan et s’est plongé dans l’impression au platine dans le laboratoire qu’il a construit dans la ferme familiale de Long Island, dans l’État de New York. Cela a conduit à trois grandes séries conçues pour le platine : Cigarettes (1972, présenté au Museum of Modern Art en 1975), Street Material (1975-76, présenté au Metropolitan Museum of Art en 1977) et Archéologie (1979-80, exposé à la Marlborough Gallery en 1982). Comme sa précédente série Nudes, ce travail s’écarte radicalement des usages dominants de la photographie. Bien que beaucoup l’aient trouvé répugnant, Irving Penn a vu dans le sujet “un trésor des ordures de la ville, des formes déformées intrigantes de couleur, de taches et de typographie”.

En 1983, Irving Penn a rouvert un studio dans la ville et a repris un programme chargé de travaux commerciaux et de missions de magazine. L’année suivante, il a été honoré d’une rétrospective organisée par John Szarkowski au Museum of Modern Art, qui a fait une tournée internationale jusqu’en 1989.

Après cette rétrospective, Irving Penn a repris la peinture et le dessin en tant que poursuite créative, incorporant même l’impression au platine dans sa pratique. Il a également trouvé la liberté de création grâce à une collaboration vivifiante à distance avec le designer japonais Issey Miyake, qui a envoyé ses créations dynamiques et sculpturales à New York pour qu’Irving Penn les interprète photographiquement.

La créativité d’Irving Penn s’est épanouie au cours des dernières décennies de sa vie. Ses portraits innovants, ses natures mortes, ses photographies de mode et de beauté ont continué à apparaître régulièrement dans Vogue. Le studio était occupé par des magazines, de la publicité et des travaux personnels, ainsi que par des projets d’impression et d’exposition. Irving Penn a adopté avec enthousiasme de nouvelles idées, en construisant des appareils photo pour photographier les débris sur le trottoir, en expérimentant avec une bande de lumière en mouvement pendant de longues expositions ou avec l’impression couleur numérique. Les projets de livres étaient également une priorité, et Irving Penn accorda une attention particulière à leur production, de la conception à la qualité de l’impression. Déterminé à façonner l’œuvre qu’il a laissée derrière lui d’une carrière aussi prolifique, il a également soigneusement structuré et réduit ses archives. Particulièrement après la mort de Lisa Fonssagrives en 1992, il cherchait du réconfort dans son travail et dans la structure de son emploi du temps en studio, et il peignait la plupart des soirs après le travail et le week-end.
En 2009, Penn est décédé à New York, à l’âge de 92 ans. Au cours de sa vie, il a créé la Fondation Irving Penn, qui est née du studio et dont la dévotion à l’héritage de Penn découle du contact avec son esprit remarquable. (traduit de la biographie du site de la Irving Penn Foundation – irvingpenn.org)